[行业动态] 三问昆剧名家:昆剧传承与未来
这是一个不可复制的群体。
他们被人尊称为“大熊猫”，因为他们是珍稀难得的“国宝”。他们一生致力于传承发扬昆剧艺术，延续“百戏之祖”的艺术生命，并把这一中国最古老的戏曲艺术推向了一个高峰，影响远播至海外。
他们是新中国各地培养的第一代和第二代昆剧演员中的佼佼者，成长于上世纪五六十年代，师从昆剧“传字辈”老艺人。他们经历过昆剧艺术和戏曲艺术的黄金期，也见证了台上演员多于台下观众的凄凉时日。当昆剧艺术被联合国列为首批世界非物质文化遗产，昆剧艺术日渐回暖，年轻观众也开始涌入剧场，这群“大熊猫”依然“宠辱不惊”，演戏、创作、培养学生，继续他们今生的艺术使命。
如今，这些“大熊猫”大多已年逾六旬，不少甚至已过古稀之年，他们依然活跃在昆剧舞台，但登台演出的机会已经日渐减少。在今年的“名家名剧月”上，“兰韵正浓——昆剧国宝艺术家专场”邀请了15位当今最为顶尖的昆剧表演艺术家，除了浙昆的小生艺术家汪世瑜因脚伤不能如约前来，其他14位老艺人将联袂登台，在3月23日分别进行一场折子戏专场和演唱会专场。如此齐全的“大熊猫”聚会，几乎“前无古人”，也是昆剧界难得的盛事。
“名家名剧月”今天将正式在东方艺术中心拉开大幕。在这个时候，早报采访了这些“大熊猫”，让他们各自回答了3个问题，这些问题，有关昆剧艺术的传承和发展，关于昆剧传统的价值，也涉及昆剧的未来。虽然这些艺术家一生都在思考和回答这些问题，但今天，把这些答案铺陈在一起，或许会是一个对后人颇有深意的小小档案。当昆剧的第三代、第四代、第五代有一天也开始思考这些问题，在这个答案集里，他们或许可以看到前辈艺术家的态度，有所参考、有所借鉴、有所帮助。
对于参与“名家名剧月”的所有艺术家和剧种而言，这些答案也同样具有意义。这些答案也许并不系统，也许只是个人所见。但戏曲，不正是一门充满个性的艺术?一个出色的戏曲艺术家，完全有可能影响这个剧种的命运。当这些“大熊猫”在影响和改变昆剧命运的同时，我们希冀从他们的思考中，找到关于戏曲未来的一些方向。
【提问壹 有人说昆剧是非物质文化遗产，既然是遗产，就应该原封不动保存，尽可能忠实地保持、复原，对此你怎么看?】
王世瑶：昆剧和出土文物是有所区别的
昆剧既然是“非物质文化遗产”，那它就和那些物质文化遗产、那些出土文物是有所区别的，它是依附于舞台而存在的。不同时代的演员，他对于角色的理解也是不同的，一出《游园·惊梦》，不同的人，有不同的演法。此外，昆剧之所以还能存活在舞台上，而不是被放进博物馆陈列，最主要的还是因为它有观众。昆剧的表现形式要符合不同时代观众的审美需求。
王芝泉：梅兰芳老前辈也在与时俱进
人们肯定昆剧是好的，需要保留，但并不是一定要原封不动地保存。就比方说梅兰芳老师，同样一出戏，早期和后期的演绎，包括服装等细节也有不同，同样觉得非常美，这说明老前辈也在与时俱进。我认为古老剧种也要跟着时代走，让年轻人看了喜欢，不要像从坟墓里出来的古董。
计镇华：昆剧最好“少动”但并非“不可动”
对于昆剧而言，最好是“少动”，“遗产”这个词，并不是说从此昆剧是不可动的，而是它被评为“遗产”后，政府和民众开始关注它，给予它更多支持，但对于艺术而言，却绝不能静止。每个演员在演出的同时，要对昆剧的折子戏进行升华和提高，把它最有价值的地方发挥到极致。昆剧最有价值的东西就是它的唱腔、声音、曲牌，这些非但不能破坏，还要保存、挖掘和升华。一味的老腔老调并不一定就是好的，最主要的还是要做好技艺的结合，除了四功五法之外，还要结合个人的角色体验，这样才能最好地把人物形象展现在舞台上。
刘异龙：将那些不符合时代审美的东西除去
我们向“传字辈”老师学戏的时候，也不是原封不动。毕竟，剧本是书上的，昆剧却是活生生在舞台上演出的。昆剧“难改”，而且改的时候又不能“瞎改”。要适合时代的潮流、观众的审美和当下的政治气氛，比如《借茶·活捉》，在当时被认为是色情戏、恐怖的戏，但我在整理剧本之后，觉得这个故事的“美”应该在于阎氏对张文远的念念不忘，讲的是人鬼情，所以，我就将它重新改编，受到观众欢迎。每个剧种有每个剧种的精华，将那些不符合时代审美的东西除去，这才是最正确的做法。
张世铮：一切创新必须要以传统为基础
首先这个题目比较大啊，昆剧的保护不能放松，当然创新要跟上时代的发展，不断地创新，保护和创新都要抓，但是一切创新必须要以传统为基础，要立足于深厚的传统的基础上，继承传统的东西然后再谈创新。
张洵澎：要尽快地基本上原封不动地传下去
我们这一代也就是1950年代的第一代，再不传承下去，就要老啦，我现在已经73岁了。要尽快地基本上原封不动地传下去。有些东西比如说剧本、文字有些不合适，要小修小改，毕竟年代不一样，否则戏没有新鲜感。昆剧本身就不封闭，很多的戏都经过了第一代、第二代在原基础上合情合理地进行创新、丰富。比如说以前昆剧演员都是男人，旦角也由男人扮演，后来有了女性来扮演，就要运用女性的手段来将女性的特点、女性美表现出来。要加入现代人的手段，但是万变不离其宗，所要做的都是让戏更加美化。
张继青：尊重传统，保留剧种特点
我觉得还是尊重传统比较好一点。白先勇的《牡丹亭》就是在老的基础上，重新在服饰灯光上进行了包装，这样就能把传统衬托得好一点。另外，我自己也演过一版《牡丹亭》，也是完全传统的，但在音乐配器上有一些新的东西。对表演和人物也都有帮助。总之，昆剧不能搞改头换面，无论怎样发展都要有原来的特点和风貌，不能让别人一看就觉得和其他剧种没有区别，要保留剧种的特点。
张铭荣：要保持它的根
昆剧是中国古典音乐与文化的结晶，是戏曲艺术较早的剧种。我们这一辈从小学习昆剧，长期进行演出，在学习、表演的过程中不断想要有所突破。我认为保存昆剧这一遗产，就是要保持它的根，任何事物的发展都要有根。昆剧有着如此悠久的历史与发展过程，不论是剧本、表演还是音乐，各方面都已发展相当成熟，有着牢固而深厚的根基。但是时代在前进，观众的欣赏眼光也在进步。五六百年前的昆剧不会像现在节奏这么快，表演环境也不同。过去的戏闹场、渲染、铺垫的前戏较多，但如今的观众要求开门见山。最早的《牡丹亭》有五十多出，一个星期也演不完，剧本不改不可能啊。
张静娴：每个时代都会有它的积累
其实国家和政府从1950年代开始就有所行动，把失散在各地的传字辈老师聚集起来，拯救和培养昆剧。2001年昆剧被联合国教科文组织认定为非物质文化遗产后，我们更有荣誉感，很振奋，也感到肩上多了一份责任。
昆剧是老祖宗传下来的立身之本，继承当然是重点，可是现在的社会环境和当时昆剧兴盛时期不能同日而语，所以会有所创新。昆剧是活态艺术，除了曲谱，在表演上谁都不可以也没有资格说是原汁原味。从传字辈老师开始就在调整，去芜存菁，不断适应环境和观众。我认为应当保留昆剧最本真的东西，不要去为了变而变，但是也不能很人为地去把继承和创新隔开，因为它们本身就是相互渗透的。
没有尝试就没有更宽广的视野和眼界。每个时代都有积累，我们也想在祖祖辈辈传下来的家当上留下一点我们这代人的印记。有些折子戏是我们这代创作出来的，经过多年的舞台实践，希望可以被传承下去。
岳美缇：一个艺术形式必须符合时代的审美发展
昆剧的经典，都是一代代传承下来的，它的古典性、音乐、文辞，是昆剧最本质的东西。但一个艺术形式，它必须符合时代的审美发展。如果不改，那就是文本上的艺术，和唐诗宋词没有区别，是用来给人读，而非演来给人看的。就拿汤显祖的《牡丹亭》而言，后来的冯梦龙也将其改过以后进行上演，而我们现在演的《西厢记》，也是后来大家所说的“南西厢”。因此，只有得到观众的认可，这才是一个成功的作品。
胡锦芳：每一代人都在加进新鲜血液
有人这样说，不能说没道理，尽可能地保持复原是对的，比方说唱腔，唱腔是昆剧的灵魂，还有载歌载舞的表演形式也是昆剧的一大特色，这些都不能动太多，而且能保存到今天的也一定是最优秀的精华。但审美在变化，每一代艺人也在不断给精华剧加进自己的新鲜血液。原封不动保存下来的文本大多都属于精品，但是特别原汁原味也有可能在现在看来欠缺表现力，所以我们要用不断革新的表演去丰富它，包括在情感处理等各种方面。
梁谷音：剧本和唱念最好不要动
戏曲以人为传，不可能一成不变，它是“活的”，不然就不叫非物质遗产了。昆剧最大的特色是文本，剧本和唱念最好不要动，其余的由各人演各人的风格。
蔡正仁：所谓的“原封不动”等说法本身就值得商榷
这个问题要看你怎么看，其实现在已经看不到原封不动的遗产了，所以所谓的“原封不动”、“原汁原味”等说法本身就值得商榷。我们以前跟老师学习，是继承了老师的“遗产”，但这些表演方式也已是经过了他们的发展而来的，他们的老师通过口传相授把昆剧教给了他们，在这个其中是肯定有改变的。昆剧是经过了各代艺人的传承才形成了现在的遗产，没有人知道它最原本的模样，所以不存在原封不动保存之说。可以说一出戏基本保留了原本的风貌，在本体上没有进行伤筋动骨的修改。昆剧一定要发展创新，也不可避免要创新，但是不能毫无根据地乱改。
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